Monólogo de Ramón Gómez de la Serna rodado en 1928 por Feliciano Vítores. Cortesía de http://www.elaguilaediciones.wordpres...
Added: July 21, 2007

Lo primero que se te ocurre después de pasar una tarde en ARCO08 es pensar: pero cuanta tontería. En la cola de entrada comienza. ARCO se contagia de la pasarela Cibeles por el modeleo, en este caso del público asistente. Y piensas: ¿qué es lo que pretende conseguir esta gente con esas pintas? ¿Reconocerse como artistas?¿Como modernas?¿Como divinas? Y ¿para qué?.

Como en las fiestas de la corte de Luis XIV, la feria de ARCO es un baile de máscaras en el que las distintas clases aristocráticas del arte están bien separadas. Miércoles y jueves es la visita profesional, además de las inauguraciones por parte de los reyes y las instituciones políticas. Los príncipes podrían ser las instituciones y coleccionistas, los siervos serían los galeristas que exhiben sus atracciones anuales. Qué cantidad de obra, cuantos artistas y que parecido es todo pero estos superprofesionales se lo curran. No pierden ojo ante un posible comprador. Poseen una extensión en el cerebro que les permite distinguir que público es diletante, cual es cultureta gafapasta y quienes son los verdaderos coleccionistas, los que finalmente compran.

ARCO, desengáñense, es una feria comercial en el que los propietarios de los carísimos stands lo único que quieren es vender, podrían ser ordenadores, muebles, souvenirs, zapatos o, como es el caso, arte contemporáneo. Hasta ahí la única relación con el arte, su conversión en dinero. Que nadie pretenda visitar esta feria como exposición de los grandes avances, sino de las últimas tendencias. Y es importante el matiz. No se exhiben investigaciones novedosas, sino más de lo mismo de los últimos años, y es que el mercado es muy conservador y compran sobre seguro con lo que se lleva este año (cómo en Cibeles).

Por allí se pasean las instituciones ofreciendo prevendas al comercio por encima de la investigación. En lugar de molestarse y observar de cerca el lugar de creación, en los talleres de los artistas, se acercan por ARCO para que las galerías les muestren sus propuestas comerciales del año. Convirtiéndose, los museos y centros de arte, en amplificadores de modas en función del mercado, que no de las verdaderas pesquisas que se cuecen a fuego lento en la intimidad del estudio.

A continuación, dentro de la aristocracia del arte, están los artistas (perdidos en el fango) son parte de la exposición. No ya por sus ridículas performances (donde hacen de monito de feria) sino que están a disposición de ser presentados, nada más, ya que la palabra la pone el galerista. Y por último está el vulgo, seres invisibles que hacen mucho ruido. A partir del viernes, con la visita de los colegios, y el fin de semana, con la visita de las familias y ex-artistas, ARCO pasa de ser un baile de príncipes a picnic en un parque temático. Y el lunes a cerrar ventas apalabradas y recoger hasta el año que viene que proyectarán una nueva versión de la misma película.

(Publicado en el periódico El Adelanto de Salamanca, 15/02/08, página 54)

No hay palabras más que la repetición, como en un mantra o una novena.
Aunque el tema músical sin Tom Waits (y demás vozarronas), más sobrio, que dura más de 25 minutos repitiendo obsesiva y cansinamente Jesus' Blood Never Failed Me Yet…, aún más hipnótico.
(Encontrado en last.fm)

agregado por NedNickerson57
Descripción:

Jesus' Blood Never Failed Me Yet

I first heard this song on NPR (National Public Radio) in 1993 when they played an excerpt during a critique of the album which had recently been released at that tim…e. I've had the video on videotape for many years and have only recently found a way to transfer it from an old videotape to YouTube. Hope you like it!

===================================

Jesus' Blood Never Failed Me Yet is a piece of music composed by Gavin Bryars in 1971. It is based around a recorded loop of an un-named tramp improvising a hymn; eventually rich harmonies are played by a live ensemble of strings and brass, always increasing in density. The recording was originally made for a 1960s documentary by Alan Power which chronicled street life in London. Later when listening to the recordings, Bryars noticed that the clip was very in tune, and that it looped well into 13 bars. The tramp died before being able to hear the completed piece.

For the first recording as an LP, Bryars was limited to a duration 25 minutes for the piece; upon the invention of cassette tape technology, Bryars made a 60 minute version of the piece, and for CD, a 74 minute version.

The studio in which Bryars made the piece was next to a busy art studio. When constructing the piece, Bryars unintentionally left the loop playing and his door open during a lunch break; when he returned, the usually lively studio was quiet, and some people were crying.

A new recording of this work was made in the 1990s with Tom Waits singing along with the original recording of the tramp during the final section.

El videoclip se ha agotado, ahora sofroniza al vídeo arte doméstico. Recuerdos de las ediciones, ruidos y transiciones chapuzas del Atari.

Official video for 'Alice' by Moby.
The video was directed by Andreas Nilsson and features suest rappers Aynzil and the 419 Squad.
Taken from the forthcoming album 'Last Night'

Tras la magnífica exposición celebrada en San Eloy durante 2006 “El retrato español en el Prado. Del Greco a Goya” podemos contemplar hasta marzo la segunda parte “De Goya a Sorolla”. ¿Y quien dijo que segundas partes nunca fueron buenas? Esta es tan excepcional como la primera, aunque sin nombres populares (excepto los del título), pero con grandes maestros a descubrir. Estos rostros corresponden a los protagonistas del agitado siglo XIX. Esta muestra, al igual que la anterior, ha servido para rescatar de los almacenes del Museo del Prado, restaurar, catalogar y difundir a todo el país muchas obras inéditas para el público en general, prolongando favorablemente el proyecto Prado Itinerante.

Durante el tiempo que abarca esta exposición se pasó en este país por una guerra de la independencia, cinco desamortizaciones, dos restauraciones monárquica, una república y cuarto mitad de revueltas varias. El panorama social relegó a la aristocracia para dar paso a la burguesía, de ahí un cambio en el estatus personas representadas que se hace perceptible tanto en los fondos, atuendos y actitudes del retratado. Ante un mayor número de personas con gran poder económico hubo una gran demanda de retratos, existiendo artistas que únicamente se dedicaban a este género. A mitad de siglo aparecería la fotografía y el descenso de solicitudes pictóricas (una de las razones por las que los pintores comenzaron a desfasarse hacia las vanguardias). Los adelantos tecnológicos de la imagen se aprecian en estas pinturas, se intuye la existencia de la cámara oscura y el uso posterior de la fotografía para calcar el parecido (aunque los artistas nunca lo reconociesen). No solo era el estilo de Ingres, sino también su técnica lo que se hizo común entre nuestros artistas, marcando la diferencia por un respeto casi religioso a los grandes del Prado de siglos precedentes: Velazquez, Ribera y Murillo; hasta constituir una marca, denominación de origen, nacional: los fondos oscuros, contraluces, ropajes sobrios, etc. (antecediendo a la España negra que posteriormente reivindicaría Antonio Saura).

Dos tipos de retratos podemos observar, aún siendo del mismo autor, de encargo e íntimos. Los primeros más fríos y engolados, los segundos amables y con mayor espontaneidad por parte del artista. Aún así todos son de una corrección académica a la que hoy en día es imposible llegar (sólo hay que fijarse en los retratos de las distintas monarquías del siglo XX).

Algunos detalles para el visitante. Advertir que no sólo del rostro vive el retrato, las manos (su posición y actitud) es un contrapunto importante a la cara, son quien confirman o rectifican el significado de la expresión (expresiones muy trabajadas por el artista). Por otro lado los fondos, espacio libre para que el pintor se desarrolle y experimente dentro de unos límites de corrección impuestos por la época. Y los vestidos, con sus joyas, que a partir de Velázquez se convierten en lugar para el virtuosismo, campos de experimentación impresionista para un pintor clásico. Acérquense y vean esos pliegues, esos estampados y, aislándolos del resto del cuadro, comprobarán que son piezas de una gran expresividad abstracta. En fin, pueden estar horas contemplando estas grandiosas obras y aún seguirán encontrando detalles que las confirman como retratos maestros del arte español.

Carlos Trigueros

Publicado en el periódico El Adelanto de Salamanca el 01.02.08