La práctica artística de Núñez Gasco propone el máximo empirismo ante las patologías de nuestro entorno investigando el lado confuso de la vida, y experimentándolo sobre sí mismo. Inmigración, drogas, alcohol, juego y sexo son algunos temas de su amplio repertorio.

Núñez Gasco se expone como mártir que es capaz de ver tanto la paja en el ojo ajeno como su viga. Disfrazado, en algunos casos, de ironía destripa los llamados males de la sociedad en una autoinmoladora catarsis. Es la reencarnación del ilusionista y escapista americano Harry Houdinni. Se busca, ataduras, esposas y problemas cada vez más grandes y complicados para, en una suerte de increíbles malabares, salir airoso, sorprendiendo y cumpliendo con las expectativas del espectáculo. Lo que provoca en el espectador una cierta urticaria, sino identificación. Nadie puede ser indiferente a sus obras, un gran logro en el arte actual.

Sus compañeros de fechorías artísticas podrían parecer Santiago Sierra y Domingo Sánchez. Pero la intervención social del primero es excesivamente ideologizada, y los planteamientos del segundo son demasiado agresivos. Javier consigue desmarcarse desde una práctica aparentemente ingenua pero vírica y demoledora. No representa, experimenta sobre sí mismo. Sustrae el lado confuso del ser humano, como ente relacional, presentándolo con todas las consecuencias y sin ningún tipo de ambigüedad ni adoctrinamiento moral a través de una paradójica objetividad subjetiva.

Este proceso de santidad comienza vagando, hace años, entre acotaciones con cinta adhesiva y erosiones del cristal; recopilando información de los estados de la materia. Posteriormente coleccionando personas como cromos, escaneándolas para su álbum y “Registros”, de 2003-2004, en los que la escala de la imagen es 1:1, una imagen 100% fidedigna de gente real con problemas reales clasificada como mariposas. Al mismo tiempo que observa comportamientos ajenos como en “Mis razones”, 2 DVD de 2001 de 30 min., en donde Pepe y Belén dan testimonio personal de la ludopatía llegando a una descripción autobiográfica. Para integrarse él en la mirada mediática como en “Desde dentro (intervención social)” inventando noticias para diferentes medios e comunicación: apariciones del artista/actor en programas, periódicos, informativos. Genera el evento mediático inventándose una identidad para mostrar estereotipos sociales como en “Microchip” de 2002, “Intervención Fútbol” en el que celebra la victoria del Real Madrid en la Copa de Europa integrándose en la multitud, o como un testimonio más en “Tengo dos novias, una en Madrid y otra en Salamanca” representando a Francisco Núñez en el talk show “Esta es mi gente” de Jesús Vázquez.

En “Inmolación”, en la que bebe más de treinta botellines de cerveza como demostración del consumo alcohólico compulsivo, da su vida, o su salud, en aras de una causa o divinidad: el escarnio social. Su posición ante el arte parece la práctica de una religión unipersonal, un nihilismo puesto en escena. Nos impresiona gratamente la versatilidad y profundidad de Núñez Gasco aunque no nos gustaría que empezase a experimentar con coches, aviones u otros comportamientos sociales no sólo peligrosos para él.

Carlos Trigueros

La enorme importancia de la pintura de los primeros años del siglo veinte en el seno de toda la historia del arte no reside en la recuperación del caracter expresivo sino, fundamentalmente, en la afirmación definitiva del cuadro como objeto autónomo, con sus propias leyes internas. Esta revalorización de la bidimensionalidad del soporte, junto al alejamiento de la realidad sensible y la confluencia entre el intento de codificación de los estímulos ópticos con el primitivismo dan lugar al Fauvismo.

El movimiento fauvista no es homogéneo, sino que está atravesado por corrientes subterráneas que brotan en el Salón de los Independientes de 1907. Este Salón marca la consagración popular del fauvismo y su rápido declive. Al año de su nacimiento oficial desaparece debido a que la mayoría de sus miembros siguen fomentando las corrientes anteriores. El fauvismo aparece truncado en pleno proceso de maduración y como tal se resume en un dramático acontecimiento, su disolución. Este ismo aprendió a cultivar una especie de sutil receptividad a la coincidencia y habilidad de invitar a otros ismos a actuar sobre él, o desde él.

“La mirada fauve”, excepcional exposición en San Eloy, no es una revisión memorial de un movimiento extinto, sino un punto de reflexión de la pintura en su multiplicidad de registros y una llamada a su aún posible desarrollo como vanguardia, hasta el infinito y más allá. En esta exposición podemos comprobar como la mirada fauve perdura a través de su persistencia en otros estilos. El final del fauvismo no es sino una de las primeras fases de transición de la pintura. Porque en lo que realmente consistía el fauvismo era en un radical cambio de actitud frente al cuadro, y por consiguiente, a la representación. A partir de entonces el artista dejó de copiar la realidad para reinterpretarla a través de su propia visión personal intentando cear un mundo que fuera controlado por él mismo.

Como podemos comprobar en la exposición “La mirada fauve”, el Fauvismo no tenía una relación exclusiva con ninguna clase especial de temática. Aquí podemos observar la evolución del fauve desde el paisaje natural a introducir la figura humana en él posibilitando otra opción fauve heterodoxa respecto a la hegemónica. Interpretado en clave neo impresionista resuenan ecos de La invitación al viaje de Baudelaire y al Guaguín de Noa-Noa. Pareciera pués, como si la calma, la voluptuosidad y la dicha de vivir, completaran el vitalismo de la inmediatez con objeto de soñar con más sosiego y tranquilidad. O como decía Gustave Moreau: “La misma naturaleza tiene poca importancia; simplemente es un pretexto para la expresión artística. El arte es una búsqueda incesante de la expresión del sentimiento interior por medio de una simple ductilidad.”

Vlaminck lo describía como “Lo que yo podría haber logrado en un contexto social con sólo arrojar una bomba, lo he tratado de expresar con el arte, con la pintura, usando los colores puros directamente del tubo. De este modo he podido utilizar mis instintos destructivos a fin de recrear un mundo sensible, vivo y libre.” Un uso desinhibido del color a fin de definir la forma y expresar el sentimiento. El pintor no representa lo que ve sino la intensidad de lo que ve, quizás su emoción, pero su emoción visual, visualmente expresada, plásticamente construida. Una búsqueda de la realidad personal, lo que ha existido para uno mismo, la expresión de una identidad propia y diferenciada. En definitiva, lo que supuso fue la liberación del artista gracias al fauve.

En estos momentos de confusión sobre el futuro de la pintura es necesario recapitular la breve aunque fructífera historia de sus prácticas experimentales. La que nos propone “La mirada fauve”, da por sentado que el fauvismo es un ser híbrido. Aunque, si colgamos su historia en la gran línea de la experimentación visual, éste se evidencia como una fluctuación de la misma, es uno de esos experimentos que aún permanece inscrito en el imaginario colectivo. Esta exposición nos ayuda a responder si existe un lenguaje en nuestra iconografía y en nuestro ideario heredado directamente del fauvismo. Su existencia ha marcado nuestra capacidad de ver la realidad codificada en imágenes. O como escribió Ludwig Borne “Nada dura más que el cambio.”

(Publicado en El Adelanto de Salamanca 11.11.05)

Hace unas semanas hemos asistido a la primera edición de Art/Salamanca. La única feria de arte contemporáneo que existe en Castilla y León. Al igual que la feria de turismo o la de Muestras de Valladolid, su finalidad es vender. Una relación escogida de distribuidores se exponen ante el público y profesionales del sector para ofertar un mayor y variado número de productos a sus potenciales consumidores. En este caso la feria trata de arte, otro producto de consumo enclavado en el sector bienes de lujo.

Una de las críticas a la reciente Art/Salamanca/05 ha sido su bajo número de ventas. Bien, el mercado del arte tiene más fondo que un iceberg. Las galerías son unas lloronas y dicen menos de lo que realmente venden, bien en la propia feria, bien a posteriori debido a ésta. Se ha criticado la falta de compra institucional, el Ayuntamiento ya invirtió en su montaje pero, por ejemplo, Caja España que aparece como patrocinador, además de haber sido escaso, no ha adquirido ninguna obra. La Junta de Castilla y León no ha hecho pública ninguna adquisición, al igual que la Diputación o la Universidad.

Salamanca es una ciudad de arte y cultura. El arte y la cultura son algo actual, vivo. Es una vergüenza entrar en despachos de abogados, médicos, dentistas, en bancos e inmobiliarias y encontrarte con cuadros de Ikea, o posters comprados en el extinto Simago y tapices. Tras una factura desorbitante encontrarte con un envoltorio pacato, casposo y de épocas de glorias pasadas. Sin embargo los muebles si que se valoran. Se consideran útiles pero se eligen por su diseño. ¿Y no es diseño un buen cuadro en la pared? Si comparan precios verán que es más económico el arte que un cheslón, que nunca se usa, pero decora.

O las grandes empresas de Salamanca, esos hosteleros que bien alojan, dan de comer, beber y bailar a los visitantes del arte y la cultura pero que no la apoyan. Reciben sin dar. ¿Qué harían sin estos eventos que les propician sustento? Por ejemplo, restaurantes chics con decoraciones económicamente prohibitivas te cobran 50 euros comida y regatean el pico de 450 euros por un cuadro único de un artista reconocido (es un caso cierto de esta ciudad). O los cuadros de los hoteles, tema del que habría que hacer un estudio sociestético.

Coleccionar arte es muy sencillo, y no tan caro como piensan. Evidentemente es un pequeño lujo pero el comprar zapatos o ropa de marca también lo es. Por ejemplo, camiseta Armani de rayas se llama 269 euros. Un póster en el Prado te cuesta 50 euros. Por 150 podemos disponer de una obra de arte. No de un Picasso, evidentemente, ni un óleo de gran formato. ¿Pero tenemos casas para cuadros grandes?

En primer lugar, existe obra adecuada a nuestros apartamentos. Tamaños de 30 x 40 cm. lucen muy bien. En segundo lugar, no es necesario comprar obras únicas, la fotografía y el grabado tienen tanta calidad plástica como un cuadro único. Las tiradas, el número de ejemplares que se edita de cada obra, abaratan el coste de producción, y de venta. Por lo que una fotografía con una tirada de 10 ejemplares no la va tener nuestro vecino (si queremos exclusividad) y nos sale más económica que una copia única. Además algunas galerías tienen sistemas de suscripción de tal modo que con una periodicidad determinada se va ingresando una cuota barata. Dependiendo del fondo que tenga cada uno puede optar, con el tiempo, a una pieza de grandes dimensiones. Existen numerosas opciones económicas y de calidad para alegrar nuestras paredes diarias. ¿Y la clase y gusto que da?